viernes, 11 de junio de 2021

RED DWARF — LA COSMOCÓMICOVISIÓN DE LA VIDA

 

Cualquiera de los afiches que
promocionan esta serie inglesa.
Una que puede darle lecciones de
ingenio y economía a más de
un lumbreras español metido
en temas de producción

Lo que más me irritaba de esta serie de ciencia ficción de ROB GRANT y DOUG NAYLOR era que: había tres o cuatro actores, en un plató que imitaba sui generis compartimentos de una nave espacial, algunos SFX de discoteca de los 80 y librados a más/menos estrambóticas situaciones humorísticas que aprovechaban numerosos clichés del género para realizar críticas sobre la naturaleza humana, su cultura, aun religión. ¿Cuánto cuesta este montaje? Tampoco estamos hablando de un chorro de episodios. Sino de los suficientes para llamar nuestra atención freakie, quedando en el recuerdo con más cariño nostálgico en según quién.

Repito: ¿cuánto cue$ta? Pues bien: en España, no hay (y sé que personal con la habilidad, las ganas y el talento para llevarlo a cabo, abunda) pelotas de filmar un concepto casi minimalista de la ciencia ficción empero aprovechando lo mejor posible los recursos disponibles mediante algo en crisis: la INVENTIVA. La IMAGINACIÓN. Todo ahora está subordinado, en la última década, a la insaciable extorsión nazionalista, la zombificación republicana, a las secuelas de esa mutación de un “glorioso” 15M que sólo ha servido para enriquecer a un puñado de caraduras “pro-proletarios” a quienes seguís votando.

En esa España estábamos entre la solemne adaptación de BLASCO IBÁÑEZ, o PÉREZ GALDÓS, y la “rememorización histórica memocrática” del niño que recordaba aquellas turbulencias históricas a gusto de la embrionaria progre actual so pretexto de la revancha y ganarse la pensión máxima vital que reciben los adictos al RojoRégimen. Un esfuerzo cultural preñado con el deseo de abortar excepciones como Red Dwarf. Porque hacen los británicos ENANO ROJO y ARRIBA Y ABAJO, o SHERLOCK HOLMES, sin empacho. Extienden para cubrir todo el espectro, pensando en un aspecto comercial que sirva también para financiar clásicos de JANE AUSTEN o WILLIAM THACKERAY.

HOLLY, la IA de a bordo; de lo más cachondo de
la serie. Peligro tiene, este tripulador de naves

[La idea de ganar dinero así es tan obscena para la cultureta izquierdosa española que reniegan de hacerlo porque podrían parecer empresarios de Vox. Ofensivo. Imposible.]

El tronco de la serie se basaba en la relación de la “extraña pareja” de dispares caracteres del tuercebotas ordenancista-militarista ARNOLD RIMMER y su ácrata compañero de camarote, el juerguista tecniquillo DAVE LISTER y sus ambiciones de ser terrateniente en Fiji, sumergida en el Índico. Con frecuencia sin embargo era HOLLY, la IA de a bordo, quien solía surtir estupendos chistes. Y el GATO, que parece parodia del cantante PRINCE. (O así lo asimilé.) Ese choque de caracteres producía gags que se las apañaban para parecer originales pese a existir paradigmas previos a los que apelar.

Detalle que llamó mi atención, resucitada tras leer READY PLAYWER TWO, es la identidad de Rimmer. Murió en un accidente nuclear, junto con la tripulación. Mas Holly le recrea como holograma, aprovechando un escaneo de su mente, para acompañar a Lister en su solitaria travesía de regreso a la Tierra de dentro de tres millones de años.

El incompetente ordenancista RIMMER es otro
cliché que siempre funciona. Intenta camuflar su
ineptitud de manual dándoselas de gran mariscal
de los friegaplatos. Normal sea blanco del ácrata
compañero LISTER (el cliché del pasota... sideral)

La inquietud surge de una cuestión religiosa: el alma. Un ateo pasa del tema. Pero a un creyente (hasta a uno tan defraudado como yo) le produce prurito. Un escaneo de nuestra mente que vuelquen a un holograma, o avatar de OASIS, ¿de verdad es nuestra persona? Y esa copia, por exactísima que sea, ¿evoluciona, empatiza motu proprio? Los afanes y avances, ¿salen del alma también? ¿Tendría un avatar clonado instintos animales, esos de “por instinto supe”? ¿Un avatar clonado puede decirlo sin parecer un gastado tópico? 

¿Rimmer evoluciona conforme viven aventuras, o queda estancado en los patrones neuronales digitalizados de entonces, siendo sólo una grabación cuyo programa procura no repetirse con frecuencia, para soslayar lo más posible parecer un disco rayado?

¿Cuán robot es un avatar así? La materia tiene enjundia, mas deja frío a ERNEST CLINE. Bastante tiene con haber aportado la novela angular de la ciencia ficción femegéneroXprogre que estos tales ansiaban. Tomaos un momento. Consideradlo.

viernes, 4 de junio de 2021

READY PLAYER TWO — A VUESTROS AVATARES DISPERSOS

 

Guarrería de portada para lo que
parece más un panfleto favorable
a los homoX y anejos antes que un
relato distópico sobre nuevos ricos
que apenas saben qué hacer con un
fortunón desmesurado. Eso de
"segundas partes nunca fueron
buenas" puede ajustársele, a un
libro de anodino estilo literario.
Ideal para el lector que detesta
el carácter en la prosa de un autor

Pudiera ser idóneo subtítulo de esta novela de ERNEST CLINE, quien debió recordar EL MUNDO DEL RÍO para rematar este tocho, secuela del ¡aclamado! best-seller que fue su precuela. Lo delata el capítulo final, que, grosso modo, copia DIOSES DEL MUNDO DEL RÍO. La debatible cuestión de las almas queda pendiente. (Siendo información sensible que pudiera reventar la sorpresa al lector pendiente de leerlo, me inhibo de comentarla.)

Vapulean el relato (constaté superficialmente) y no creo que, pese a todo, sea para tanto. Posee partes tediosas (las de JOHN HUGUES y PRINCE —ese cantante de pinta afeminada que se hizo luego anti-afeminado—) que sugieren que Cline, so pretexto de detallar los gustos de los artífices de OASIS, se explaya con sus freakismos favoritos con prolijo pormenor, entendiendo que son comunes a todos los freakies, algo que reprocha el héroe a la heroína (si tal cosa contiene este libro, donde la imagen del protagónico Héroe Solar queda subsumida a la de la colaboración coral) cuando, en cierta fase, descubre qué lagunas tiene de esas querencias particulares que la ponen a ella.

El freakismo, la mitomanía prefiero definirla, es personal apasionamiento. Algo que nos enardece a otros deja fríos/indiferentes, o pensando vomitar. Para ser Cline especie de metatestaferro, o Diácono de Década 80, pues tal imagen traslada vía película, que abrasa con nostalgias vídeo-musicales, de videojuegos, o publicaciones, descubres cuán cortito va en el fondo. ¡Yo, en SOGUETTO (y porque en RECALIBRADOS iba “falto de espacio”), fui más pródigo en las referencias bibliográficomusicales que Cline en estas casi quinientas autocomplacientes páginas (con “velado” homenaje a IRON MAN)!

El autor, ERNEST CLINE, vacilando de coche
fantástico. Mitómano-freakie, como que el hombre
no es. Empero su freakismo tiene limitaciones...

Porque se mueeeeere por hablar de Prince. Porque se mueeeeere por hablar de LA CHICA DE ROSA u otras cintas de John Hugues. Porque se mueeeeere por extenderse en esas fijaciones, a las que dota de innecesario número de páginas. Mas sabe tanto de Prince que, cuando habla de MORRIS DAY, olvida el gran puntazo freakie-de culto que es LAS AVENTURAS DE FORD FAIRLANE. Citar esa “oscura referencia”, amigo mío, hubiese sido de auténtico freakie. Habría demostrado que, de veras, eres el Archidiácono de Década 80 que $TEVEN $PIELBERG “afirma” eres. Más: habría hecho una crónica más amplia del Primer Freakie del Cine, KEVIN SMITH, y su saga de JAY Y BOB EL SILENCIOSO, los “antiJohn Hugues”, no el somero apunte que escribe “de tapadillo”.

Y, por ARIOCO, siendo drama marcado por un plazo concreto de tiempo, a cuyo final gran GRAN catástrofe sucederá… de entre todas con similar argumento… ¡ni una palabra de SNAKE PLISSKEN, el hombre-contrarreloj por excelencia!

IA que se vuelven codiciosas y mochales y explotan
a su favor las querencias de los usuarios de OASIS,
que encuentran en sus pasiones armas de doble filo-
De paso, tibio ensayo sobre los mesianismos en
tiempos de agudas crisis, económicas o de identidad

Mas esto son chuminadas freakies. Personalismos. Pues sospecho Cline ha escrito la secuela coaccionado por este “TransX-Hollywood” donde lo que importa es sacar géneros y etnias más que contar una historia. Etnias y géneros deben primar sobre todo. Por eso, destaco la carajotada de HACHE (la afro-sáfica a la que Cline “dedica” la novela, la adalid universal del lobby LVDORA, junto a LØHENGRIN) cuando protesta porque los Orcos de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS tienen la piel oscura. ¿Tanto TANTO ignora Cline que los Orcos son analogía de las SS, y sus vistosos uniformes HUGO BOSS? Pues así lo interpreta: en clave racista “ochentera”. Desdeña saber que El Señor de los Anillos sea alegoría del Nazismo y la Segunda Guerra Mundial.

Y más. Me ha irritado que, por ‘complacer’ a Hache (o sean el lobby), desarrollando la secuela con gran contenido “géneroXpolítico”, PARZIVAL renuncie (aun por media página) a su heteroX para admitir “momentos” homoX ‘tentado’ por Prince, porque eso es un moderno exigente adoctrinamiento impositivo que persigue una pretendida mayor tolerancia con las desviaciones sexuales no-heteroX. “Yo, en la intimidad, soy maricón”, le faltó admitir a Parzival, parafraseando a aquél político. Y “tod@s” ya content@s.

Y, por lo de lo ajustado del plazo,
una referencia freakie a este hombre
hubiese venido cojonuda. No la hay.
De ahí las limitaciones de Cline

Tanta corrección homoXpolíticamente correcta, más que las pasadas HITECH (o lo pillado de su trama, una forzada cyber-Imrama), me ha reventado del libro. Desluce la obra, al autor, que claudique a una concreción sociopolítica, cuando relataba una distopía brutal, a lo WILLIAM GIBSON, sobre el peligro de las adicciones computarizadas (OASIS), la mitomanía casi mesiánica en tiempos de severas crisis, una Zoociedad de “buenistas mentes-colmena” y similares supuestos, que, sólo por eso, podría haber funcionado de puta madre magistral, aun apoyándose, a modo, en EL CUENTO DEL GRIAL de CHRÉTIEN DE TROYES. Mas perseguía otra cosa. Complacer “a”.

Punto positivo para WADE WATTS: demostrar a ART3MIS que, por megamillonario que seas, la miseria de un mundo casi agonizante no lo arreglan sus buenismos “metafísicos”. Precisas una profunda transformación sociocultural. Mas no en clave homo-transX, como parece sugerir Parzival… o, mejor, Cline, por caerle bien al lobby y vender libros... de los cuales se harán películas que obtendrán benevolentes críticas.

viernes, 28 de mayo de 2021

ABRAHAM LINCOLN, CAZADOR DE VAMPIROS — EL “TODAVÍA MÁS”, MÁS

 

Sólo un superhéroe olímpico hace
estas exhibiciones indemne. Una imagen
muy impropia de alguien que luchó
contra la esclavitud de otro modo:
con tesón y desde despachos

Soslayo los detalles propios de la producción per se, como que este filme está basado en una novela homónima o que aun TIM BURTON está mezclado en su producción, que fue relativamente rentable. Quiero ir más allá, hasta un aspecto técnico que tiene enjundia.

CORRUPCIÓN EN MIAMI se concibió para un público aficionado a los videoclips de MTV, empleando diversos recursos como la energía o la estética de los encuadres por encima de la espesa urdimbre de relatos complejos o elaboradas personalidades trágicas, con diversas matizaciones de sombras. Pretendían un resultado resultón pensado para un avance en el concepto de crear evasión. Los autores de la mítica serie eran conscientes de que la parrilla ofrecía producciones de corte más serio/formal donde el espectador “sesudo” podía regocijarse. Había empero ese delta de público al que podría enajenar un rígido academicismo, repudiando una inversión realizada cara a obtener beneficios.

Paradigma de ese tipo de “sesuda televisión” puede ser ALLY MCBEAL, la cual recibió loas y alabanzas sin cuento, resultando posteriormente un considerable bluff. ¿Quién recuerda, hoy día, la serie de la escuálida abogada premenopáusica y demás paridas de la norteamericana competitiva con los hombres y contra su sexo? No tantos como quisieran sus sibaritas creadores. Y ¿Corrupción en Miami? ¿Cuántos la recuerdan? Mogollón. ¿Causa? Su sencillez, que tocaba rápida la fibra del espectador que procuraba obtener un rato de glamourosa evasión tras un frustrante día laboral.

El joven leñador ABRAHAM LINCOLN con un
amigo singular. Los nósferos de este filme son
de la "Familia FORSON", pues pueden pasear
al Sol sin problemas o demás taras vampíricas

Y, encima, con potentes éxitos de los Inmortales de Década 80.

Pues esta peculiar cinta, instalada en la estela de algo de lo que, aunque no sea nuevo, ALAN MOORE “pone de moda” en lo gráfico con LA LIGA DE LOS EXTRAORDINARIOS CABALLEROS o el cine con VAN HELSING o EL SECRETO DE LOS HERMANOS GRIMM, el revisionismo de ciertos personajes de ficción o históricos adjudicándole roles fantasiosos, se embebe de ese espíritu de Miami VICE mas pecando de un grave defecto: la excesiva exageración.

Desde que ILM empezó a aplicar los SFX computarizados al metraje, las cosas han ido llevándose un poco más Más MÁS lejos cada vez. Productores y directores apreciaron el potencial de la pantalla verde y el pixelado de proezas que desafían toda coherencia o credibilidad. JOHN WOO y su cine de tiroteos interminables también tiene culpa en este exceso barroco que sin problemas penetra no ya en lo circense estilo LA JUNGLA DE CRISTAL, sino en tierras de lo inaudito y lo ilógico.

Mezclan elementos fantásticos  con sucesos reales.
La guerra civil norteamericana se libra tanto contra
los esclavistas como los nósferos, que, desde tierras
más viejas, quieren conquistar el Nuevo Mundo

La gente ya no muere abatida de un tiro, cayendo al suelo de una forma más/menos teatral, estilo LA TRILOGÍA DEL DÓLAR. Ahora deben hacer una cabriola seguida de una pirueta y poner un rictus erectus de tormento que la pixelación resalta con detalle milimétrico. ¿De veras necesitamos tal/tanta exageración? 

Advirtamos: hasta hace poco, un tiro, un choque de coches, una pelea a hostias, podía impresionarnos más/menos en función al talento del director o las tablas de los actores. EL GUERRERO DE LA CARRETERA hace escuela… sin pantalla verde o SFX computarizados. ¿Hoy día?

¿El "Toque BURTON en un
fotograma "a lo" BERNIE
WRIGHTSON?

No sabes si ves una película que debe atraerte MÁS por los SFX que por las actuaciones, la trama, los diálogos, etcétera. Son como un elaborado videojuego donde no priman los valores artísticos intrínsecos de la obra o intérpretes. El director parece decirles: Poned cara de circunstancias, que el programa NoSéQué luego os hará saltar sobre los tejados como BATMAN y SPIDER-MAN combinados. Los malos son desastrosos clichés y, como en este filme, aparecen para admirar cómo hacen la cabriola brutal antes de diñarla.

BLADE marcó la diferencia con elegancia. Exageraba lo justo. Esto de Lincoln, desbarra sin parar. No veo al GRAN EMANCIPADOR matando nósferos a hachazos. ¿Este es el cine del futuro que queremos, o algo más humano, capaz de emocionarnos sin píxeles?

viernes, 21 de mayo de 2021

ZOTHIQUE — LA ESCUELA DE MOORCOCK

 

Portada. El problema de
ZOTHIQUE no es la novela
en sí, que tiene su interés, sino
quienes se han pasado
recomendándola

Por partes. Desde 1988 me vienen recomendando/encomiando este recopilatorio de cuentos inspirados en LAS MIL Y UNA NOCHES con un intenso toque poeiano y alguna influencia de las novedosas fantasías ideadas por los contemporáneos H.P. LOVECRAFT o ROBERT E. HOWARD. Zothique me ha defraudado, pero no tanto per se como por haber “oído” tantos aplausos sobre el volumen. Cuando superé el descontento que me produjo saber que Zothique no encajaba con la sobredimensionada imagen formada durante estas décadas, mi opinión fue mejorando… aunque con reservas.

Suele pasarme; me ¡exaltan! una obra y después descubro que no reluce tanto. Acabas asumiendo que es cuestión de gustos personales. Donde otros ven gloria bendita, no hay tanto para mí. Mas perdura esa desagradable sensación de que te han estafado, aunque sin mala intención.

Otra cosa que concitó acritud fue descubrir que Zothique no es novela de sword against sorcery; nunca llegaron a comentármelo. Insistieron siempre en el vigoroso uso que CLARK ASHTON SMITH, de la peña de WEIRD TALES o similares revistas (esos autores que sin empacho hoy día llaman fachas e idiotas los ‘iluminados’ trans-feministos que se han apoderado de la ficción en general), hizo de la paleta cromática. Cierto: salta al instante a la vista con qué violentos/vívidos coloristas adjetivos describe paisajes los o elementos concurrentes en los relatos, los que un pintor experto, por deformación profesional, incluiría en su prosa consciente de qué efecto final producirían.

CLARK ASHTON SMITH
con presencia juvenil. Otro de
los tantos autodidactas que 
demuestran singular maestría

Ningún CONAN protagoniza hazañas en Zothique, nombre del último continente de la Tierra (o su paralela) del Remoto Futuro Hechicero, que contempla, impotente, cómo todo deviene a su yermo Remoto Pasado Nigromante incapaz de impedir su propio declive. El firmamento asila a un agotado Sol y los países acaban convertidos en desiertos que avanzan, lentos aunque implacables, de una a otra costa del continente.

Decepción dos, por tanto. ¿Qué queda? Pues advertir las semejantes con las célebres crónicas árabes, o situar las (necrofílicas) ‘contribuciones’ de POE o los citados amigos del autor. Con elegante disimulo, Ashton Smith aduce a los dioses astronautas de Lovecraft, a los reinos perdidos saqueados por Conan alguna vez, a la influencia arábiga que bautiza a esos pagos o príncipes.

El esplendor de los reinos o ciudades descritas remite al más reciente MICHAEL Moorcock y los rutilantes palacios de Imrryr, o las cavernosas estancias del castillo de CORUM, o el Londra de Granbretán. Si el inglés rechazó vehemente la mitología élfica de TOLKIEN, abrazó empero el barroco boato de Ashton Smith acaso por verlo más eléctrico. Heredó su capacidad para describir a las retorcidas huestes de monstruos que, en uno u otro cuento, los atormentados protagonistas deben afrontar. Figuras que trasladan a la FERIA DE MONSTRUOS de BERNIE WRIGHTSON…

Usted está aquí; alerta sobre la alta población de
hechiceros, momias y entes sobrenaturales que
despiertan para preconizar el evangélico Fin de
los Tiempos, amén

Asthon Smith manifiesta asimismo una repulsiva querencia necrofílica por las momias, nósferos y lamias. Atractivas estas últimas hasta la consumación absoluta de sus víctimas. Mas la constancia del autor por esas referencias necrofílicas induce sospechar que no se trataba de un truco literario para prender el interés de una legión de lectores que se incorporaban a la literatura mediante las revistas pulp. Acabas intuyendo un fetichismo sexual de Ashton Smith por esas criaturas. Retorcida perversión que encubría mediante la metáfora de los pobres que arrastraba por las antiquísimas criptas malditas.

¿Cómo esto deben encajarlo las “autoridades” que llaman facha a Lovecraft e idiota a Howard? ¿Cómo piensan manipularlo para que produzca agrado a este selecto actual nuevo lector antimachista y prohomoX? ¿Censurándolo, o negando a Ashton Smith? Lo que sea, ya lo criticaré. De momento, quiero prevenir al lector: esto no es otra Era Hyborea. Ningún Conan salvará el día. Alguna momia regia vendrá quizás a socorrerte.

viernes, 14 de mayo de 2021

INDIANA JONES Y EL REINO DE LA CALAVERA DE CRISTAL — OVNI NEW WORLD

 

Desganado afiche de DREW
STRUZAN (¡aclamad al
ilustrador!). Como preámbulo
de lo que contiene esta cinta

Siendo apropiado comenzar por el clásico del Arca Perdida, percibo cierto debate sobre si esta última entrega del mítico HENRY JONES, JR. debería pertenecer, o no, a la Santa Trilogía Arqueológica. Desencantó. $TEVEN $PIELBERG fue presentando excusas a los aficionados, decepcionados con el metraje. Por lo tanto, ¿mejor considerarla “a-parte”, como una especie de sueño de un INDY Jones rozando la senectud sobre una espectacular aventura sideral? Se trataría, pues, de un apéndice de género… conflictivo.

Intuyo que un poco aporta ese rechazo la tirria que le profesan al coguionista GEORGE LUCAS, hombre que dicen es tan antisocial, empero que nos ha legado tan excelentes historias a la CultuPop. (Aunque ahora tanto luchen por destrozarlas, como demuestran los lamentables “Nuevo Episodios” de STAR WARS). Esto hace que, automáticamente, ya vayas “prevenido” a ver la película. Es otra “lucasada”, así que…

Y, es verdad, que este título contiene detalles que cuesta pasarlos. Parte es ese hijo postizo (y en atención a los nuevos turbios tiempos, menos mal no fue una hija-marimacho) que le ha ‘florecido’ a Indy, o el enemigo contra el cual debe batirse. O el tema. Estamos en 1957, Guerra Fría A TOPE, neurosis anticomunista por doquier. Injerencia del FBI sin tregua. Bombas Atómicas. Si una “mató” a DOC SAVAGE y su portentoso orbe de prodigios aventureros allende los más remotos/recónditos rincones del ancho mundo, ¿sobreviviría Indiana Jones? Es simbólica la escena en que, tras el ‘milagroso’ viaje en nevera por el aire, y las sacudidas brutales en tierra, Indy contempla el hongo atómico alzarse hacia el alto cielo secuestrado por todos los vientos. Calcina su época, la de los misterios asociados a la obsesión nazi con lo paranormal, así como la de un globo terráqueo aún por explorar, capaz de incluir sin dificultad la isla de KING KONG.

El avejentado INDY JONES comparte plano con
nuevos (y desabridos) aliados y villanos que no
suelen ser los que le fastidian el día

En La calavera de cristal Lucas de nuevo “refresca” la que debió ser su Década 80: los 50. Y lo refleja, como hizo en EL ATAQUE DE LOS CLONES, donde “homenajeó” CENTAUROS DEL DESIERTO, con dos cintas que debieron impresionarle en su momento de matinés: VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA y TIERRA DE FARAONES. El más actual público se pierde las referencias; ergo: no capta el guiño nostálgico.

Sobre los villanos… por siniestra y letal (y un poco cliché de TBO) que sea la coronel rusa telépata, están señalando la comunista Rusia soviética. Puede que para EE.UU., periodo histórico aparte, fuese un enemigo factible. Mas, para Europa, la Europa socialcomunista que lo disimula con otras denominaciones, esto era una blasfemia atómica. Por Dios, ¿cómo podían equiparar a los camaradas, con esos uniformes que parecían de fontaneros (sin ánimo de ofender a tan necesarios técnicos), con los nazis vestidos por HUGO BOSS, que suponen la absoluta aberración fascista de la Historia reciente? El rechazo en una Europa que niega la existencia del Gulag fue instintivo/inmediato.

Que no digan que la Santa Trilogía Arqueológica
no da igualdad sexual de oportunidades. Dejamos
a los ambiciosos nazis astrológicos por una coronel
soviética telépata, cosa propia de STAN LEE. Y
ya que estamos: esta película parece una especie de
LOS ETERNOS de JACK KIRBY. Algunas ideas
parecen haberle tomado...

Por otra parte, como ha demostrado MIKE MIGNOLA en HELLBOY, los nazis dan mucho juego. Consiguieron mezclar ciencia-ciencia ficción con nigromancia con un éxito que, desde luego, no consiguen los planes estalinistas de dominación mental mediante extraterranos de esqueleto cristalizado. Situada la acción en el Cono Sur Americano, pues mira, algún criminal de guerra nazi huido que pretendiera algo mediante alguna reliquia judeocristiana (que son las que más triunfos han dado a Indiana Jones, porque lo del Templo Maldito costaba engullirlo), habría supuesto un grato reencuentro con el pícaro arqueólogo con un amor en cada yacimiento. Esto blasfemo de los comunistas…

La química que desplegaron HARRISON FORD y SEAN CONNERY en LA ÚLTIMA CRUZADA intentan recuperarla con el hijo “apócrifo” de Indy y MARION, mas no lo consiguen. Queda en un desleído esfuerzo del que abominan en la última escena, cuando Indy arrebata su sombrero a MUTT, proyectado hasta sus pies por los céfiros del cambio.

Cuesta señalar qué elemento concreto hizo fracasar la cinta. Aunque creo que todo se debe a la misma bomba atómica que, ya digo, “mató” a Doc Savage. Destruyó igualmente su mundo de épicas arqueológicas.

viernes, 7 de mayo de 2021

DOC SAVAGE Y LA BOMBA A — O EL ARMA QUE MATÓ AL HOMBRE DE BRONCE

 

Ese día de Agosto de 1945 inicia
el declive de un mundo de ilusión
y fantasía ingenuos a los que DOC
SAVAGE no puede trasladarse

Sucede la singularidad de que si el bombardeo atómico a Japón, que aceleró el fin de la Segunda Guerra Mundial, sacó a H.P. LOVECRAFT del limbo en el cual yacía (ese raro tío feo de Providence, con sus barrocos cuentos de dioses-astronautas del espacio exterior, yacentes en tumbas-no tumbas en remotos rincones del Pacífico), evidenciando que sus visiones de seres extraterranos congeniaban con un Mundo Nuclear, donde todo lo Atómico significaba Fiable Futuro Inmediato, acaso incluso sus relatos lo anticipaban, esas bombas sepultaron a Doc Savage, ‘descafeinando’ a otros justicieros similares.

Tipos como LA SOMBRA, o EL HOMBRE ENMASCARADO, que no eran sino matones proscritos que ayudaban a la Ley a su extravagante manera. Empero no eran atómicos, como tampoco Doc Savage, y la muestra de su acelerada decadencia perdura en su última aventura publicada, que aparece incluso de forma “milagrosa” por la editorial: una copia en papel carbón que relanzan años después para cerrar el ciclo de broncíneo esplendor surgido durante la Gran Depresión.

La Segunda Guerra Mundial ya había pegado algunas dentelladas al mítico Doc, quien se convertía en una especie de caza-espías nazis según administraba sus fondos fundacionales procedentes de Hidalgo, llevándose más tiempo sentando ante los escritorios que persiguiendo a los peculiares supervillanos de sus orígenes.

Analogía similar sucede con
INDIANA JONES, émulo del
AVENTURERO SUPREMO.
La Guerra Fría le sitúa en un 
lugar incómodo. Así debe
entenderse su última entrega: el
crepúsculo de la Gran Aventura

Muerte en Moscú, esa novela final, es pesimista, crepuscular, hasta sombría. Doc es un aventurero maduro, los CINCO FABULOSOS COMPAÑEROS, los que salen, no están para muchos trotes; todo ahora no es ese glamour de los años Treinta de las Thompson y los .45, los complots extraños donde la ciencia ficción y la brujería se entremezclaban. Este mundo de Guerra Fría y espías es turbio, de hombres o mujeres de escaso glamour, funcionarios moldeados por la Gestapo en fríos departamentos de Inteligencia, llámese luego CIA o KGB. Doc consigue sin embargo legar algo al quizás más destacado de sus herederos: BOND, JAMES BOND. (Al menos, al de la pantalla —por la profusión de cacharros miniaturizados, obra del inefable Q, y a los que Doc era tan aficionado—).

El mundo post-bomba A no tiene lugar para los espectaculares atletas con facultades físicas forjadas en lejanas fortalezas polares o enloquecidos aventureros, mas geniales en sus respectivos campos profesionales. Esa gente afrontaba el peligro de cara, por taimado o disfrazado que se presentase. Dependían de una combinación músculo-cerebro que una bomba atómica desprecia por el simple hecho de que su detonación lo barre todo en kais a la redonda.

Es incluso un Reverso Tenebroso, perverso, de lo que Doc Savage, Aventurero Supremo, representaba. Pues la bomba A es una idea judía que emigra a EE.UU. asediada por el totalitarismo hitleriano (quienes querían su propia bomba A y, por una cuestión de urgencia, no la tuvieron) que fabrican científicos más/menos comprometidos con la idea de libertad y democracia a lo estadounidense. Es fruto de científicos, como Doc, capaces empero de segar más de cien mil vidas en un segundo.

Es su tiempo: el cinismo, la
supervivencia extrema, es la
Era PostNuclear y sus antihéroes

Doc empleaba la ciencia para crear gases extraños o artilugios sorprendentes cuyo fin era hacerle parecer aún más grandioso a los incautos que le conocían. Y ayudar. En Álamo Gordo, unos hombrecillos enclenques (EINSTEIN, FERMI, OPPENHEIMER), incapaces de correr doscientos metros seguidos, sin embargo con un chasquido podían generar el Fin del Mundo. Como ningún adversario de Doc logró nunca. ¿Qué te parece?

Era el Fin de un Mundo. De los viajes de las Tres Mil Millas a nidos de dinosaurios y de los histéricos enmascarados que querían ser millonarios. La aventura ahora se hace más cruel, burocrática. Y, al otro lado del baldío horizonte, un páramo postnuclear.

Donde Doc y los suyos no podían brillar.

viernes, 30 de abril de 2021

EL GUERRERO ROJO (RED SONJA) — EL DRAMA QUE SALIÓ COMEDIA

 

En justicia, debería titularse LA
GUERRERO ROJA. Empero con
ARNOLD S en pantalla, había
que explotar su tirón. No hicieron
un favor a este personaje, con
tamaña película, por cierto

The Encyclopedia of Fantasy considera (aparte de mala) homófoba (!!) esta inefable película de RICHARD FLEISCHER. ¿Motivo? Si una reina bollera (GEDREN) codicia a una granjera heteroX (Sonja) para integrarla en su serrallo, y atendiendo a su natural inclinación sexual la joven la rechaza, ¡eso es homofobia! O sea: mujer heteroX, si te tira los tejos una tortillera, lámela los bajos. Eso sí: las lesbianas luego deben rechazar cortejos coitales masculinos. Ofensivo es. ¿Podemos seguir hilando más fino las imbecilidades, en esta era de las hypersensibilidades comprometidas con el género? Un giro ingenioso al del clásico abuso del abusón de turno lo clasifican… ¡homofobia!

Tener además al guión a GEORGE MCDONALD FRASER, famoso por la saga del cobarde heroico, FLASHMAN, explica los desafortunados toques de comedia que bruñe un producción que parece aspiraba a ser otra catedral estilo CONAN EL BÁRBARO (la buena, de JOHN MILIUS), empero con una sexy protagonista cuya intención parecía la de reivindicar la capacidad de las féminas en esos tiempos prebíblicos donde la fuerza daba la razón, contenida en el puño y punta de la espada de algún varón belicoso.

Trataba sin duda de aprovechar el filón abierto por las aventuras del cimmerio. Habían filmado un artículo de gran calidad, muy diferente de los péplum de su clase, y de ahí que rematasen el esfuerzo incorporando en el set a ARNOLD SCHWARZENEGGER, como aburrido forzudo quasihierático con talento para la carnicería, como demostraba al apiolarse a un número nutrido de secundarios cuya ropa y tocados con los que figuraban les daban pinta de estrafalarios idiotas (en plan vándalos de LOS NUEVOS BÁRBAROS).

Claro, que si presentes así a Arnold S, ataviado de
rojo, en postura tan bizarra, pues el título, encaja

KALIDOR el Fuerte salva con frecuencia a Sonja, la que debería partir la pana, instruida por un venerable asiático en la esgrima. Y eso del maestro asiático tiende un sutil puente entre esta cinta y KILL BILL. Siendo como es TARANTINO, seguro que hay algo de esto. Una retorcida referencia burlesca.

Mas mientras la Red Sonja de los TBOs era una errante seminudista frígida que se las veía, como LA COSA DEL PANTANO, o HELLBOY, con criaturas sobrenaturales en unas aventuras que confirmaban, ante todo, la incapacidad de ROY THOMAS por crear algo que no copiase a algún clásico (creo que tener de coguionista a CLARA NOTO le impedía apoderarse de alguna idea de OSCAR WILDE para marvelizarla a favor de Sonja), la película tiene un relente de trama que no elude parecer deshilachada. Con pretensiones un poco, si me apuráis, a lo EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA.

Vaya banda juntas, SONJA. Haberlos tirado al
fondo de un hondo barranco, hermosa. Y qué
curioso detalle que te veas como te ves por no
querer ser juguete sexual de la reina bollera.
Cuando menos, un interesante giro argumental

Pues Sonja, ‘instada’ por su hada madrina, debía arrebatar a la histriónica Gedren (mejor hizo SANDAHL BERGMAN de VALERIA) un orbe repleto de kryptonita capaz de asolar reinos merced a tormentas devastadoras (sugieren) y, además, vengar la muerte de su familia y la violación a la que Gedren la sometió mediante sus tropas. Nada nuevo bajo el sol. Quiero decir: tópico del western spaguetti, dicen, donde prima la idea de la venganza sobre restantes consideraciones (como el orgullo, o la codicia).

A modo, El guerrero rojo es un western spaguetti, como Conan el bárbaro. Un forastero con deudas pendientes llega de sabe Dios dónde dispuesto a lavar con sangre agravios. El núcleo sin embargo es el argumento eterno: el viaje. Tanto físico como la exploración íntima del que toma la venganza. Cómo madura mediante el contacto con personajes más/menos importantes (¡vaya paliza la del insufrible niñato chino prepotente y su resignado esclavo! ¿No iba la película a naufragar con tamaño “alivio cómico”?) y qué influencia ejercen en sus decisiones.

Todo esto ocultan las trivialidades, estupideces y faltas de respeto que Red Sonja sufre. No había ninguna intención real de empezar el “pre-empoderamiento” de marras que está estragando esta zoociedad, sino mostrar medio en bolas a una esbelta nórdica atractiva y así saciar fetichismos de freakies onanistas de las espadas. Fin.

viernes, 23 de abril de 2021

LA CAÍDA DE LOS SEÑORES DEL CIELO — ÚLTIMA CRÓNICA DE JAN DORVIN

 

Cubierta. Cierra una trilogía de
aventuras, con interesantes ideas,
cuya modestia sin embargo ha sido
obstáculo para obtener una mayor
difusión, que merece

JOHN BROSNAN debió recordar EL LABERINTO MÁGICO para concluir su trilogía distópica/“feminista” con una amarga nota final. Resuelve, de forma concluyente, el debate utopía-distopía, solución que encaja con lo que muchos sospechamos sucede realmente con las utopías. La respuesta está en la breve y aun descorazonada charla que Jan sostiene con el insufrible MILO HAZE (una de sus copias, en realidad) sobre el barco que el “mejorado” Milo está construyendo. ¿Cómo avanza, esa construcción? Pues… va…

Además, el lector de este último volumen deducirá qué juguete de la Ciencia es el Hombre, parafraseando al Bardo. Recordemos: el yermo devora la Tierra futura, extensión baldía llena de hongos gigantes y criaturas mutadas por ingenética que, día-a-día, van encontrando más reducida su tierra de cultivo o cotos de caza. Luego están esas mismas monstruosidades de diseño, fruto de las Guerra Genéticas. Enloquecidas por querer tener la primacía monopólica, las Corporaciones crearon virus y mierdas afines que acabaron automutando. Destruyeron el mundo, generando la creciente entropía.

En esta Tierra malviven según todo empeora aislados puñados de colonias. Arrancamos en la de Minerva, estado femirulista que vive de fabulaciones hembristas, no realidades, y de varones “capados”. Otra cosa que dificulta la existencia son los Señores del Cielo, titánicas naves gobernadas por déspotas que utilizan su capacidad de bombardeo para someter a los atrasados asentamientos terrestres, que viven por tanto bajo vasallaje.

JOHN BROSNAN, oriundo
de las antípodas, que nos deja
en nuestro mercado esta saga
de corte "feminista"... donde
desvela sus fantochadas, hechas
empero dogma hoy día

Jan Dorvin, la protagonista, no nació para WONDER WOMAN, por cierto. Tiene fallos físicos y de carácter, pese a su modificación para ser una “hembra superior”. Empero termina debiendo ser Wonder Woman… con notable renuencia. Conoce al insoportable sádico Milo Haze, antiguo dueño de Corporación genética, que ansía tener el remanente de HITECH resistente en el planeta, o en órbita, para cumplir su destino: ser dictator.

Todas estas aventuras van desembocando en la terminación desalentadora que imprime Brosnan al texto: la Humanidad es esclava-rehén de la misma ciencia revolucionaria que utilizó antaño para obtener pasmosos progresos en medicina, colonización submarina o espacial. Una IA, FEBO, acaba dominando a los supervivientes, pretextando emplear una “benigna” férula que diseñó para someterlos durante un microsegundo, como el que tardó SKYNET en decidir disparar los cohetes nucleares.

Siempre hay alguien convencido de que puede hacerlo mejor que el resto, sus ideas son más preclaras y acertadas, aunque puestas en práctica sean un desastre, y apenas logra el medio de imponerlas, abusa. Los pocos supervivientes australianos con los que Jan, RYNN-ROBIN y Milo acaban mezclando sus vidas, una vez esclavizados por el Señor del Cielo nipón que era su azote, ahora dependen como yonquis de vestigios de una HITECH que ha madurado un concepto de “yo sé hacerlo mejor, dejadme no sólo que lo demuestre; encima os tutelaré, pues sois incapaces de madurar solos”, abocándose a eso.

Otra obra de este señor. En lo
literario, es competente, fiable,
tendente al
pulp; quizás por eso
las "elites" ni quieran saber de él

Tal paradigma nuestra actual zoociedad está ya experimentando. Estamos volviéndonos tan dependientes de medios virtuales de ocio, o comunicación, que en verdad ofrecen opciones difíciles, si no imposibles, de conseguir por medios tradicionales, que podemos perder ciertas libertades a cambio. Algún día, nuestros PC o celulares nos enviarán un mensaje, cordial pero ineludible, dictándonos la agenda del día, la dieta, las reuniones con tal o cual, calcularán qué pareja es más ideal para relacionarse. Todo mediante algoritmos que han calculado que tu felicidad es mejor de este modo mío, que siguiendo tus procedimientos clásicos. Algo así como: Déjame a mí; te conozco mejor que tú mismo. (Aunque su retrógrado opuesto no es, ni de lejos, mucho mejor, o deseable.)

Y ahora veremos si nos plegamos al veredicto electrónico o nos rebelamos. En el caso de Jan, hasta eso la han mutilado, pese a tanto negarse admitirlo. Esta trilogía de Brosnan, en conclusión, va sobre inevitables perdedores, pesimista y desasosegante.

viernes, 16 de abril de 2021

PULP FICTION — TARANTINO SE CONSAGRA (CON PERMISO DE ROGER AVARY)

 

Un audaz homenaje al hard-boiled
que encandiló al mundo y coronó
a su autor; debía prestársele más
atención en lo sucesivo

Dos óperas primas consecutivas filma QUENTIN Tarantino. Se estrena con RESERVOIR DOGS, plagada en gran parte de sus manías freakies como las frases y actuación de los integrantes del grupo de peligrosos atracadores manifiestan en su sigul característico: el diálogo. Algo cortante/incisivo que dona a sus personajes ciertos rasgos definidos/definitivos, alejándoles de la ambigüedad o doble interpretación de otros casos. Tarantino describe bien un hampa un tanto novelizada, que no rehúye ni el sadismo ni la brutalidad, empero que muestra diversos tics de… elegancia, digamos, que les aparta del vulgar matón que sí es constituye al auténtico hampa.

Muestran sutil refinamiento junto a determinada escala de valores que incrementan más la imagen de personajes únicos por la cual Tarantino quiere que se les conozcan.

El mismo título del filme rinde homenaje a la literatura “barata” que le ‘alimentó’ durante su infancia (tampoco de niño bien de clase burguesa estilo película de JOHN HUGUES, por cierto), un reconocimiento a que si bien los clásicos universales tienen una estela o relumbrón de grandeza, de poder enaltecer las ánimas de los espectadores, éste público es sin embargo una concreta y elitista franja de personas. Quienes terminan llenando los cines son gente corriente y moliente que busca esparcimiento, sujetos a los que los elevados ejercicios estilísticos, los encuadres extraños o los personajes que no comprenden, con nebulosas motivaciones, aun contradictorias, sólo confunden, aburren.

Gran parte de la trama pivota sobre estos dos
sujetos ataviados de Testigos de Jehová. Pocas
tonterías con JULIUS WINFIEL, por cierto

Ese populux, viendo un STAR WARS, o MAD MAX o un THE TERMINATOR, es el que sufraga en taquilla la siguiente grandilocuencia artística de, no sé, SOPHIA COPPOLA, que pone de rictus erectus a la selecta crítica neoyorkina. Evasión contraria a la que esa estirada crítica estima debe ser el Arte y lo que usted debe ver. Ya sabe: mareo filmado de forma enrevesada con actores cuyo parlamento puede ser hasta delirante, plagado de oscuras metáforas que aun así estremecen al sibarita, al FRASIER CRANE de turno.

Aunque Tarantino homenajease al pulp, esto no significa que la veleidosa masa se volcase a rescatar a LESTER DENT o MAXWELL GRANT, por citar dos, de los olvidados abismos de la literatura. Hizo que la gente, el sibaritismo, recordasen las novelitas de a duro, como mucho, para pasar a lo siguiente con aspecto intelectual que estrenasen.

Este fotograma tiene interés, aparte de que
procede del prólogo de la película. Como
sucediera en
RESERVOIR DOGS, el
director reconoció basarse en los diálogos
de la cafetería de 
SEINFELD

Coloquios e interpretaciones aparte (todos recordamos el polémico episodio de El reloj de oro, con el párrafo que suelta CHRISTOPHER WALKEN al joven BUCH sobre la suerte del reloj de su padre, o cómo pensaban hacérselas pasar putas a BRUCE WILLIS los tres maricas sadomaso), lo que impactó de Pulp Fiction fue su montaje arriesgado, desorganizado, que luego encajaba a la perfección al concluir la película. Así que el último episodio es el primero y por eso estos tíos que antes vestían de Testigos de Jehová ahora van de surfistas y está lo del atraco al restaurante…

Pasmoso. Con razón los premios llovieron sobre la cinta. Pues aunque la impresión que trasladaba Pulp Fiction, por mor de su dislocada estructura, era de una deslavazada locura, cada episodio en sí era un eficiente microcosmos que no dependía, en principio, de la vasta visión del conjunto final. Estaban construidos de modo que podían entenderse independientemente, como momentos específicos de VINCE VEGA, o Buch.

¿Spin-off? que nunca verá la luz y
enlaza ambas óperas prima. Sabéis
por qué, ¿no?

Lo grandioso llegaba al final, cuando encajabas piezas que, todavía más pasmoso, no sabías que debías enlazar. Los tíos recuperan el misterioso maletín, explotan la cabeza al menda aquél de modo accidental, luego se atavían de sufistas… vale, sí, ajá. Son cosas de delincuentes. 

Historias de la frontera que les pasan por gajes de su “oficio”. No pensabas que fuesen eslabones a integrar en una cadena que consiguió, pese a miedos iniciales de los productores sobre el rendimiento en taquilla de la cinta, consagrar al inefable sujeto Quentin Tarantino… otra víctima del moderno fememccarthismo, apuntan por ahí, y la nueva “política de la cancelación” (más bobadas políticamente correctas, o sea).

viernes, 9 de abril de 2021

DRIVE (NOVELA) — CAÓTICO ROMPECABEZAS

 

Portada con fotograma de la peli.
Novela que busca imitar el estilo
de
PULP FICTION, consiguiendo
empero un confuso resultado final

Recelen de la enfática frase en contraportada que afirma que muchos escritores podrían aprender de JAMES SALLIS, autor del relato. Porque es Sallis quien debe aprender de DONALD WESTLAKE, o JAMES ELLROY, pues si bien la adaptación cinematográfica de su historia es un lujo, cuya magnitud aumenta tras leer este relato, el libro, por su ambigua parquedad o constantes flashbacks y contraflashbacks se convierte en una enmarañada pesadilla de difícil secuencialización.

De haber seguido la línea argumental de la película (¡aclamad al guionista y director!), comentaría una notable obra del noir protagonizada por un personaje europeo. Explico, por pasos: la cinta es moderna adaptación de RAÍCES PROFUNDAS, que desarrollaba un querido clásico argumental norteamericano: el mal-buen hombre que padece un brusco ataque de conciencia, salvando a los débiles que conoce.

En la película, al nómada Drive conmueve la situación de STANDAR GABRIEL por el solapado amor que fue germinando por ELENA (IRINA, en el libro) y su chaval. En el texto, Drive no siente especial simpatía por Gabriel; es otro compinche de atracos al que la policía mata durante un robo frustrado. Tras esto, se lía con Irina. O, mejor: “intiman” más. El muerto al hoyo…

Sallis empero sí acierta con el carácter de Drive. Lo sitúa sin ambages en el Reverso Tenebroso. Especialista de cine, se alquila como conductor para según qué atracos. Va consolidando una reputación combinada, tanto en el mundillo hollywoodiense como el hampa. Eso engrosa sus beneficio$. Es europeo porque el trabajo de Drive es atracar. A eso se dedica. No a vengarse por cuestiones morales, éticas o sentimentales sobrevenidas.

JAMES SALLIS, maduro autor, se precia de tener
grandes maestros del género para "asesorarle".
Parece se saltó algunas clases...

Detalle estridente de la novela es el que, con limpia eficacia, resuelven en el filme (ah, las ODIOSAS comparaciones…): cuando dan el palo que, en la cinta, cuesta la vida a Standar Gabriel, persiguiéndoles un cochazo negro a continuación, en el motel Drive ya está bastante encabronado. Intuye letal juego sucio. Sí, BLANCHE está chuleándome. Por tanto, reacciona como debe: Quiero respuestas, tía. Ya.

Mas Sallis ¡les sienta en un motel a ver películas!, pese a que Drive sospecha que Blanche se la va a meter doblada, si no lo ha hecho ya. Tan pancho queda, el tío, esperando la situación se solvente sola, hasta que les disparan. Esto tampoco lo mueve a procurar aclarar los hechos, huir a Méjico, qué sé yo. Sallis le muda de un barrio a otro de Los Ángeles, perfeccionando su contacto con la comunidad hispana.

Sallis impulsa atrás de tal modo la biografía de Drive, de un capítulo a otro, que rompe la ilación de la trama. Debes demorarte releyendo para hallar la senda. Después, maneja de tal forma la historia (convertida en el filme en opresiva huida por la supervivencia, centrada en varios días) que tan pronto está Drive en Los Ángeles rememorando batallitas con su compi escritor, como va a Phoenix, según evoca su infancia con su madre demente. Y luego, esa parquedad al describir ciertos hechos. ¿Quién fue el que disparó?

Portada de la tardía secuela. Ya
veremos qué tal, incluso en cine

Y los villanos. En la película, NINO y BERNIE, con viles motivaciones potentes, asesinas, causan escalofríos. En la novela, son sibaritas burgueses de urbanización que te invitan a comer con postre caro para después intentar rajarte las tripas. No tienen la fuerza bruta primitiva que despliegan sin tapujos en el celuloide.

Cuesta entender cómo novela tan caótica (no ácrata) encontró hueco en pantalla. Es otra evidencia de que el cine, ávido parásito real, desarrolló un lenguaje práctico capaz de enmendar cuantas arrogancias o paridas subidas de estilismos tiene una novela, Drive en este caso. Lo que explicaría su adaptación es que Hollywood devora a lo loco y compra sin mesura derechos a troche y moche, esperando filmar algún blockbuster entre tanto.

Sallis, como todo escritor que se digne, busca crear un serial. Anuncia, pues, la secuela.